Il n'ya pas si longtemps, le dessin est devenu la nouvelle peinture. De petits et intime à la paroi de taille, très travaillées ou résolument low-fi, quel que soit son format, la réapparition d'un milieu de côté une fois doublé marqué un changement radical dans sa fortune et même, des hypothèses sur l'art en général .
Mais pourquoi ce changement? Est-ce que, dans une scène artistique plus en plus tirée par les modes, le dessin est devenu du jour tout simplement parce qu'il n'avait pas été pendant un temps très long? Ou ont été d'autres facteurs moins évidents au travail?
En fait, la ré-émergence de dessin a été loin d'être axée sur le marché, et son augmentation dans le profil d'un processus beaucoup plus lent que n'importe quel nouveau statut voguish pourrait suggérer.
Pour comprendre quelque chose de son impact actuel, il est nécessaire de revenir sur les dernières années du 20e siècle. Un moment où, aux yeux de beaucoup, la scène artistique était très différent en effet.
Pendant une bonne partie de l'austérité des années 1990 visuelle et une certaine retenue régie les travaux d'une nouvelle vague d'artistes, beaucoup de Britanniques, de nombreux haut-profil.
Des personnages tels que Darren Almond, Damien Hirst, Martin Creed, Rachel Whiteread et une re-découvert Allan McCollum caractérise une scène artistique conduit par des mains-off, la pratique conceptuelle et théorique rigoureux ressac.
Même les artistes dont le travail, en revanche, semblait plus ludique et théâtrale - Maurizio Catellan, les frères Chapman, un Koons toujours durables Jeff - partagé le goût pour slick, coûteux, la production mécanisée. Et en fait, regarde en arrière, il ya une certaine poésie synchronistiques sur le fait que le portrait de Marc Quinn «Soi», une icône principale de l'époque, littéralement gelé le sang.
tendances en outre soutenu le sens général de vierge, surface froide. Graphisme dans la fin des années 90 se réjouissait de les angles de sa genèse numérique nouvellement parfaite, tandis que sur un niveau populaire, le flirt avec les propriétaires graves induites "minimalisme" pour remplacer le confort avec une surface vierge et non avenue spacieuse.
De toute évidence, toute tentative de définir rapidement un moment dans l'histoire de l'art est voué à une sur-simplification. Une vaste gamme d'artistes stand en contrepoint luxuriante aux cabinets d'acier chirurgical Hirst ou Whiteread pâle, les espaces négatifs. Le travail de Peter Doig, Marlene Dumas, Daniel Richter et Jörg Immendorf - pour n'en nommer que quelques-uns - tous manifestent un plaisir évident à exubérante marque de décisions ou d'absorption, peinture gestuelle.
Pourtant, il est certainement vrai que ce général a fait les manchettes - les moutons disséqué, le on / off lumières, les lits défaits - étaient essentiellement «conceptuelle» des œuvres de ce côté-alignés intervention directe de l'artistique. Et il est vrai aussi que, à l'internet véritablement à l'âge adulte dans les années 90, comme l'esthétique très médiatisé est devenu immédiatement et largement accessible pour la première fois dans toute l'histoire. Dans l'oeil public de masse, l'art avait gagné une dure, nouveau bord.
Pourtant, ailleurs, une vision contrastée sauvagement était beaucoup moins bien documentée. Sur la côte ouest de l'Amérique, en particulier, les graines de longue gestation d'une scène alternative débordant commencent à porter leurs fruits. Ses influences sont multiples et diverses, tout en partageant le fait que tous les laïcs et en dehors du courant contemporain.
A Los Angeles, par exemple, le «underground» des dessins de Ray Pettibon - liée d'abord à la scène rock ensuite distribuée à travers zines à court terme - a suscité de fervents admirateurs à travers le fin des années 70 des années 80 &. Une grande exposition en 1992 a réussi à élever son profil à la fois à travers les États et à l'étranger.
Or, le travail Pettibon était simplement la facette la plus connue d'une contre-culture en plein essor. Celui qui, depuis 1986, avait trouvé un défenseur majeur dans la désormais célèbre galerie La Luz de Jesus dans le centre-ville de Los Angeles.
Cet espace, situé incongrue-dessus d'une boutique de cadeaux décalé, qui se concentre entièrement sur les artistes dont les origines et les influences sauta d'un éventail de cultures populaires comme l'illustration, l'art populaire, bande dessinée et le tatouage. Et cette sortie, surtout, tend vers un art figuratif complexes associés plus étroitement à la fois avec l'illustration de l'art que l'on appelle «amende».
La galerie et son écurie d'artistes a été un succès rapide et influents de la région, et en 1994, Juxtapoz, un magazine fondé par Robert Williams (lui-même un artiste et ami du célèbre artiste underground Robert Crumb) a également commencé à mettre en valeur cette vague croissante d'art alternatif .
Tout à fait en contradiction avec les raréfié, esthétique théorie conduit dominant la pratique contemporaine de l'époque, cette sensibilité nouvelle vint à être considéré comme un mouvement. Ses racines et la position ont été définis non seulement par une étiquette, mais deux: Low-Brow, ou Pop Surréalisme.
Résolument populiste - riverains, même, sur le kitsch - son appropriation du style populaire et le contenu dans un contexte d'art en question les hypothèses de longue date en ce qui concerne les paramètres de l'art lui-même. Revisiter les premiers principes du Pop Art, il a néanmoins rejeté totalement les associations plus tard que le mouvement avec une production de masse warholien.
Et à San Francisco, aussi, des tendances similaires ont été au travail.
Dans les années 1990 un groupe d'artistes, dont Chris Johansen, Clare Rojas E et Barry McGee a émergé pour former une scène caractéristique nouvelle. Leur travail, tout en partageant beaucoup avec le phénomène Low-Brow, diffère sur plusieurs points importants et est devenu connu sous le nom "école de la mission« en reconnaissance de sa saveur essentiellement San Franciscain.
Les influences locales ont contribué à une plus fantaisiste, plus lâche approche à l'image de décisions que les tendances LA à l'époque. art de la rue comme des graffitis ont formé une partie intégrante de la scène, mais a généralement été raffinée dans un figurative plutôt que médium textuel. L'héritage de la BD underground lancée par des gens comme Robert Crumb était également évidente dans la caractérisation de la bande dessinée et un esprit, un aspect humoristique.
Plus important encore, tandis que la peinture est au cœur du mouvement Low-Brow, le dessin a été beaucoup plus largement adopté par les artistes école de la mission.
En un clin d'œil à la main-agitprop dessinée et pyschedelia des années 60 Haight-Ashbury, ils ont redonné vie techniques telles que la structuration détaillée, la main-lettrage et découpage. Matériaux, aussi, étaient souvent non conventionnelles; stylos à bille, marqueurs, papier recyclé, le bois ou du métal trouvé une partie de la mission d'étudier l'école.
Cette «régionale» distinction a été clairement soulignée dans la publicité pour un spectacle de 2000 à la galerie de Los Angeles New Image:
SAN FRANCISCO DESSIN exposition organisée par: Alicia McCarthy et Chris Johanson. May 19 - Juin 17, 2000.
Tout droit sorti de San Francisco, des dessins de plus de 15 artistes seront exposées .... Actuellement il existe d'importantes tendances artistiques en développement à sortir de San Francisco. Le dessin est à l'origine de cette évolution.
Pendant ce temps, toutefois, l'Amérique de la côte Est s'est trouvé forcé (pour une fois) à progressivement reconnaître un lien de la créativité qui est présente ailleurs. Alors que de nombreux commentateurs, des conservateurs et des galeristes est devenu de plus en plus conscients que certains types de changement de culture réelle qui se passait, d'autres semblaient lents ou tout simplement ne pas vouloir reconnaître son impact et de légitimité.
Pourtant, l'attrait croissant de Basse-Brow et les travaux connexes - en particulier parmi une génération d'artistes nouveaux et émergents - est indéniable. De nouvelles galeries ouvertes pour traiter exclusivement dans le genre, et Juxtapoz, avec plusieurs de ses artistes en vedette, a commencé à acquérir un véritable culte. Sa distribution internationale et la grande portée de l'Internet a permis d'assurer que cette nouvelle sensibilité filtré au-delà des États-Unis.
Le «non officiels» californien rythme de collecte scène dans les années 90 était intrinsèquement liée à un rejet de la pratique artistique en vigueur - la notion, comme Fred Tomaselli a dit plus tard, «... que les gens sont un peu fatigués de la plus-rationalisme (sic ) du monde de l'art, cette idée que vous pouvez obtenir à tout à travers le cerveau. "
Pourtant, sa philosophie était par ailleurs extrêmement démocratique et fédérateur, une déclaration de validité de l'art négligé ou second plan. Il ne fait aucun doute que son émergence a donné une impulsion derrière l'intérêt actuel pour le dessin.
Mais cet intérêt - et avec elle, la résurgence d'un genre particulier de l'engagement artistique - n'était pas, bien sûr, uniquement limitée à l'Amérique de la côte Ouest.
Ailleurs dans les États, Laylah Ali première grande exposition de minutie des dessins, des œuvres faux-naïf a eu lieu au MOCA de Chicago en 1999 (elle avait été présenté, en compagnie de Chris Johansen, à New York au Drawing Center à l'été 1998).
Julie Mehretu, même émergents vers la fin des années 90, le tableau fusionné avec le dessin d'une myriade de marque complexe de décisions, tandis que le Canada's Royal Art Lodge, formé en 1996, produit lunatique dessins, peintures et objets rappelant la sortie de l'École mission.
En Europe, des tendances similaires sont également en cours. Que le 20ème siècle tirait à sa fin, la Suède Jockum Nordstrum gagnait la reconnaissance de son magnifiquement rendus, tableaux tordue de loin de la vie ordinaire. Suisse Marc Bauer réalise des dessins vigoureux qui illustre la force du médium, et en Grande-Bretagne le zine dessinées à la main a été adopté par Olivia Plender, quoique sous une forme hautement poli.
Bien que le dessin, évidemment, n'a jamais complètement disparu de la galerie, ces artistes représentent que quelques-uns de ceux qui contribuent à sa visibilité en plein essor vers la fin des années 90. Une résurgence maintenant si évident que, si vous y êtes invité par certains facteurs définis, il semble néanmoins organique, presque indispensable; un phénomène qui très probablement identifie ainsi que les réponses des besoins très actuels parmi les jeunes artistes d'aujourd'hui.
Et quels sont-ils?
Eh bien pour commencer, le dessin est bon marché. Pour ceux aux prises avec les coûts élevés de l'espace atelier et du matériel, c'est un médium qui est financièrement viable ainsi comme un moyen de gérer la production.
Qui plus est, il est extrêmement inclusif. Tout le monde, à un moment donné, a connu le fait de tirer à un certain niveau, une participation qui donne même l'observateur le plus distrait un sentiment d'implication dans le milieu, un engagement viscéral dans son utilisation que les formes de l'art conceptuel manquent souvent.
Pourtant, malgré cette lueur rafraîchissante égalitaire, il semble aussi que beaucoup de la production d'aujourd'hui semble dirigée vers très personnelle, même l'expression des arcanes, une pratique illustrée par complexe, presque obsessionnelle marque de décision.
D'une part, ce soutient pleinement une éthique par les artistes d'aujourd'hui semblent exiger un engagement intime, personnelle et évident avec leur art.
Minutieux détail et de main-d'œuvre marque de décisions représentent activité artistique pour laquelle l'artiste est seul responsable. Aucune des équipes de construction de tiers, aucun des assistants sur place pour tamponner une brosse comme indiqué. Cet art consiste à faire dans le sens le plus pur possible.
Un parallèle l'explosion de l'utilisation des éléments d'artisanat - perlage, étincelant, le collage, la broderie - ainsi que la popularité croissante de fanzines et livres d'artistes - reflète cette quête de la pratique, la participation très personnalisé.
Encore plus curieusement, les demandes de création de propriété peut ainsi répondre aux besoins de plus une révision de la participation artistique.
Art, bien sûr, a toujours été de réfléchir et d'interpréter le monde, mais le début du 21e siècle semble avoir connu une nouvelle particulièrement profonde de l'appréciation de exactement ce que le monde comprend. Les perspectives est un mal à l'aise une, marquée par un sentiment croissant de schisme et de la dislocation, et en particulier, la notion de circonstance virant hors de contrôle.
Pour revenir brièvement sur Pop Surréalisme, fidèle à sa «surréaliste» l'étiquette du mouvement est marqué par la subversion de la réalité apparente. Généralement, cela prend à troubler, sous forme angoissée; chiffres bio-transformé habitent scénarios chargés de menace, un ressac de la violence est renforcée par l'imagerie sombre pincées de l'enfance.
Et surtout, contrairement surréalisme, qui enquête sur les espaces intérieurs de la psyché humaine, Pop Surréalisme porte obliquement sur la santé physique, les réalités actuelles. Ces hybrides génétiques, les paysages en ruine et laisser mijoter constante de menaces ne se contentent pas exister dans nos cauchemars. Ils sont avec nous aujourd'hui.
Le mouvement lui-même peut-être fait son temps dans la mesure où le marché de l'art est concerné, mais l'esprit du temps qu'il représente est clairement là pour rester.
Considérons, un instant, la description célèbre de Jean Dubuffet de L'Art Brut
«Ces œuvres créées à partir de la solitude et de pure et authentique des impulsions créatives - où les soucis de la concurrence, de noblesse et de promotion sociale ne gênent pas - sont, en raison de ces faits très, plus précieux que les productions des professions ... nous ne pouvons pas éviter. le sentiment que par rapport à ces œuvres, l'art culturel dans son ensemble semble être le jeu d'une société futile, un défilé fallacieux. "
Bien qu'écrit dans les années 1950, la proclamation se lit maintenant comme un manifeste parfait pour le genre de scène de l'art anti-establishment, nous avons discuté. Pourtant, indépendamment de qui incarne une alternative «plus pur» pour le grand public, le genre d'art Dubuffet décrit maintenant des connotations bien au-delà de son évaluation initiale.
La «simplicité» de la naïveté ou de l'art populaire renoue retour - dans la nostalgie populaire au moins - à insouciante, fois moins complexe dans lequel un sens du lieu et le but ont été clairement définis. Il n'est guère étonnant que son renouveau coïncide avec appréhension aiguë en ce qui concerne notre propre époque troublée.
En revanche, l'art outsider bien est clairement associée à n 'appartenant pas - une caractéristique la plus évidente dans son étreinte d'art réalisées par des malades mentaux.
Mais là encore il ya un lien précis. Un tel travail a souvent pour origine grâce à son utilisation comme outil thérapeutique; un fait qui jette un éclairage intéressant sur le complexe, la délimitation et compliqué du dessin et de peinture très récents. En effet, dans ses efforts manifestes à l'ordre, le motif et négocier l'espace, une telle complexité fournit des exemples recueil de près de résolution de conflits Gestalt.
Plus intéressant encore, une proportion importante de la pratique contemporaine ne se contente pas chercher à interpréter les réalités complexes, mais définit en fait à les créer par la construction de très personnel, des mondes alternatifs.
dessins bien connus Paul Noble de fiction »Nobson Newtown» sont dépourvues de figures humaines, encore imprégnée invention visuelle et idiosyncrasique commentaire textuel. Une intention claire est de fournir un reflet de l'esprit de leur créateur: comme Noble dit lui-même, «l'urbanisme que l'auto-portrait".
mondes d'autres artistes fictifs fournissent des domaines similaires pour les prises avec des questions qui font écho à nos propres ou en parallèle.
Michael Whittle, un récent diplômé du Royal College of Art, crée des dessins complexes mêlant iconographie religieuse de motifs recueilli de l'héraldique, l'alchimie et la science. Les images, les instantanés des Etats impossible, sous-tendent le désir de l'artiste de «faire sens de la réalité», tout en l'enquête "... les tentatives de l'homme à se réconcilier avec l'existence».
Camille Rose Garcia (dont la pratique, bien que largement identifié avec la peinture, de dessin comprend bien) est bien connu pour trompeusement enchanteur visions de ce qui équivaut à une quasi-dystopie. Une fonte de caractères récurrents bataille pour sauver ou détruire un empoisonné, meurt le monde. Les méchants, malheureusement, semblent gagner.
Art d'aujourd'hui semble être aux prises avec un être spirituel, la fonction politique et thérapeutiques dont on peut dire, il ne reflète pas tout à fait aussi bien depuis des siècles. Et le fait que le dessin, la plus immédiate et spontanée des médiums, des formes un aspect essentiel de l'interprétation d'un monde complexe devrait pas surprendre.
Post-scriptum: Dessin à l'heure actuelle - qui nous sommes goût
L'énergie de la scène de la Californie se poursuit, avec San Francisco reste sans doute l'épicentre du nouveau dessin - consultez le merveilleux travail de Sara Thustra, Sacha Eckes, Andrew Schoultz et Simone Shubuck (originaire de San Francisco, mais résidant actuellement à New York) .
LA pratique reste particulièrement diverse, mais les artistes qui font usage passionnant de dessin incluent Travis Millard, Adam Janes et Gina Triplett.
Ailleurs dans les États, nous jouissons le travail de Carter, Aurel Schmidt et au Royaume-Uni né Dominic McGill (mieux connu pour son épopée, «Projet pour un Nouveau Siècle Américain" 65ft).
En Europe, Richard Höglund réalise des dessins intéressants informé par la sémiotique, et au Royaume-Uni, les artistes de la note comprennent Sarah et Adam Dant Woodfine (ces derniers ont été tous deux récipiendaires du Prix Jerwood Dessin.
Le plus excitant de tous, nouveau venu Laura Oldfield Ford crée à grande échelle, des dessins magnifiquement rendus avec des commentaires politiques astucieux à leur base, ainsi que Savage le zine culte «Messie, une incursion extraordinaire dans le terrain psycho-géographique de Londres.
Lun Sep 27, 2010 5:13 pm